| 22 FORO DE LA CINETECA NACIONAL. MEXICO. Crónica por Javier Quintanar Polanco |
Para empezar a informar sobre la Emisión # 22 del foro de la Cineteca, creo que sería conveniente hacer algunas acotaciones sobre un par de puntos que son importantes para poder continuar con la reseña de este evento.[Leer otras entrevistas y reportajes]¿Qué es la Cineteca Nacional?
La Cineteca Nacional es un organismo gubernamental mexicano creado por el gobierno para rescatar, recopilar, restaurar y salvaguardar la memoria fílmica de nuestro país y de otras naciones. Esta institución fue fundada en 1974, y actualmente cuenta en su acervo con más de 10, 000 películas, entre cortos y largometrajes de 16 y 35 mm.
Otro servicio con los que cuenta la filmoteca es una biblioteca y hemeroteca, donde se albergan libros, revistas especializadas, guiones inéditos, notas de prensa y folletos relacionados con el mundo del cine. Este material está disponible para todos aquellos que lo soliciten, ya sean estudiantes, investigadores, cinéfilos o público en general. Inclusive, la institución cuenta con una publicación interna, que consiste en un programa mensual, en el cual se detallan las películas que serán exhibidas durante el mes, así como otras actividades promovidas por este organismo.
Y ya que hablamos de exhibición, hay que mencionar que la sede de la Cineteca cuenta con ocho salas donde se proyectan los estrenos más destacados del momento, así como retrospectivas, selección de cine internacional y ciclos dedicados a directores destacados.
Dos veces al año, la Cineteca celebra un evento al cual se ha llamado la “Muestra Internacional de Cine” en el que se reúnen filmes recientes de grandes directores, y se exhibe no sólo en la sede de la Institución, sino también por el circuito cultural de la ciudad de México y del país. Y cada año, se celebra el Foro de la Cineteca, el cual es el acontecimiento que ahora nos ocupa.
¿Que es exactamente el Foro de la Cineteca?
El Foro de la Cineteca es una selección de filmes donde se muestran cintas recientes, raras, perdidas, difíciles de ver y que no han llegado a nuestro país (y algunas de las cuales ni siquiera serían exhibidas en México si no fuera por este espacio).
El primer Foro fue celebrado en el año de 1980. En ese entonces se contó con 17 filmes de 14 países (entre ellos la hoy desaparecida U.R.S.S.) y la participación de 19 directores de cuatro continentes.
A lo largo de sus emisiones, el Foro ha contado con la presencia de directores claves en la historia de la cinematografía como Francis Ford Coppola, Ingmar Bergman, Andrei Tarkovski, Woody Allen, Akira Kurosawa, John Houston, David Lynch y Jean-Luc Godard. También han sido incluidos directores que en su momento fueron muy controversiales (y algunos aún lo son) tales como Terry Gilliam, Milos Forman, Atom Egoyan, Pedro Almodóvar, Alejandro Jodorowski, Oliver Stone, Lars Von Trier, Quentin Tarantino y otros.
Hasta hace algunos años, el Foro era exclusivo de la Cineteca, pero en fechas reciente se ha extendido un poco hacia salas culturales universitarias (de las cuales tal vez hable en un futuro artículo), y algunas plazas en el interior.
Ahora, en su edición número 22, se presentan menos películas que en la emisión original (trece), pero muchas de las cintas incluidas no desmerecen en cuanto a la calidad cinematográfica y los grandes nombres que se siguen manejando.
Pasemos a ver el evento semana por semana:
Apertura (Semana 1) Por: Javier Quintanar Polanco
La apertura del 22 Foro de la Cineteca fue llevada a cabo el jueves 5 septiembre. Como ese día fue jueves, la semana de actividades fue muy corta, pero no por ello menos interesante: Una película yugoslava fue la encarga de la apertura, seguida de la obra más reciente de un director consagrado: David Lynch.
5 y 6 de septiembre
TIRO AL CENTRO
(Apsolutnih sto)
Director: Srdan Golubovic
País de origen: República Federal de Yugoslavia
Año: 2001La República Yugoslava ha sido conocida por todo el mundo por muchos factores políticos y sociales. El cine no parece ser una de sus cartas fuertes, y sin embargo, el cine de ese país aunque escaso ha dado muchas joyitas muy valiosas. Un ejemplo lo constituye esta cinta del serbio Golubovic. Esta vendría a ser su tercer película, y al parecer la única exhibida en este lado del Atlántico, y que además llega con un año de retraso.
La trama es acerca de un ex - tirador olímpico llamado Igor Gordic, el cual con el tiempo se ha venido a menos hasta convertirse en un junkie dependiente de sus drogas y endeudado hasta el tuétano con traficantes. Su hermano menor Sasa, que ha seguido la carrera de su hermano y también se perfila para competir olímpicamente; intenta rescatar a su hermano del bache en el que se ha caído, pero sus esfuerzos parecen condenados al fracaso. Y lo que es peor, el mismo Sasa parece condenado a ser arrastrado a la misma debacle que llevó a la ruina a su hermano.
Al ver esta cinta es perfectamente claro que la analogía de los dos hermanos representa claramente a la vieja Yugoslavia (Igor) y a la actual República (Sasa). El primero en franca decadencia, mientras que el segundo enfrenta un futuro oscuro, desesperanzador y duro al cual la violencia parece ser la única respuesta posible.
Los personajes están situados en el contexto de la República del día de hoy: en crisis económica, carcomidos por la pobreza y la falta de oportunidades, y donde la violencia y el abuso están la orden del día.
Esa parte de Europa que ha sido vapuleada por siglos y siglos de conflictos de todo tipo, parece ya estar pasando la factura a las nuevas generaciones, cuyo futuro luce muy incierto. Esta es la premisa principal de esta cinta, el desasosiego y la desolación de la actual República, que no es sino el reflejo de la situación de gran parte de Europa Oriental.
Mientras la trama avanza, testificamos la transformación de Sasa, de ser un joven silencioso y tímido hasta llegar a los ataques de ira que lo llevan a la incomunicación con su pareja y sus amigos, y lo conducen a cometer actos impensables y temerarios.
Por otro lado, somos testigos de la ruina en la que se encuentra sumergido Igor, y de la cual parece incapaz de salir. Así, tiene que soportar las vejaciones de un viejo rival, y además lidiar con los matones que quieren que pague su deuda. Todos esto lo llevará cada vez más abajo, donde pareciese imposible salir. Sólo los acontecimientos le podrán ofrecer a Igor la oportunidad de recuperar algo de su dignidad ya perdida.
El final tiene mucho de amargo y triste, pero deja abierta al espectador la alternativa de pensar un mejor futuro para algunos de sus personajes.
Definitivamente, un excelente arranque para esta emisión del Foro.
7 Y 8 de septiembre
MULHOLLAND DRIVE: SUEÑOS, MISTERIOS Y SECRETOS
(Mulholland Dr.)
Director: David Lynch
País de origen : Estados Unidos
Año : 2001Con localidades totalmente agotadas, el fin de semana se presentó la más reciente cinta del controvertido y siempre polémico David Lynch.
Después de su desconcertante cinta anterior, The Straight Story, (1999), Lynch vuelve a retomar sus viejas obsesiones y caminar nuevamente por su universo de locura y pesadilla.
Originalmente planeada como una serie televisiva (como lo hizo anteriormente con Twin Peaks en 1990), el proyecto no fructificó, y el director decidió realizar en su lugar un nuevo largometraje. El resultado final es una brillante película, que nos muestra a un Lynch en su forma más pura, sin diluir y sin ningún tipo de restricción.
El subtítulo en español resulta inadecuado para describir lo que los espectadores contemplaron durante las poco más de dos horas de duración del filme. Una historia inquietante, enigmática, claustrofóbica, plagada de sitios a la vez atrayentes y siniestros (obra del fotógrafo Peter Deming) y de atmósferas intrigantes y asfixiantes (ambientadas adecuadamente por la música de Angelo Badalamenti, colaborador de toda la vida del director).
La trama, escrita por el mismo David Lynch, trata sobre una misteriosa mujer que, tras un accidente automovilístico, pierde la memoria y no puede recordar su identidad. Por azares del destino se encuentra con una aspirante a actriz llamada Betty, la cual se compromete a ayudar a la extraña mujer (que se autonombra Rita, por un cartel de la película Gilda de Rita Hayworth).
Así, Rita y Betty comienzan a investigar sobre lo sucedido a la primera... lo que descubrirán cambiará por completo sus vidas y su realidad. Mientras sus pesquisas adelantan, las situaciones y personajes anómalos se van presentado con mas y más cercanía, hasta que la anormalidad se adueña por completo de los personajes centrales, y las transforma en algo completamente diferente. Su realidad se trastoca en una sinfonía del absurdo y lo irreal, donde las líneas del tiempo se diluyen, y los personajes que en un principio había creado una impresión en el espectador, se transmutan en sus opuestos o en roles radicalmente distintos a los que se habían establecido en un inicio, creando una nueva línea dramática donde lo retorcido, lo tortuoso y lo bizarro son parte integral de la misma.
Hay también un poco de ironía en el hecho de que una de sus líneas alternas al relato central envuelva a un director cinematográfico que tiene que enfrentar a unos anormales productores y ejecutivos para poder realizar un filme. Tal vez es una manera de que Lynch, en su muy particular estilo, aprovecha para dar un pequeño puntillazo a la industria cinematográfica y sus vicios.
Mulholland Drive es una obra maestra. Lo es porque rescata al Lynch enfermo y obsesivo de películas como Eraserhead o Blue Velvet. Pero también lo es porque (en mi humilde opinión) es una de sus películas más acabadas, mas completas, y posiblemente uno de los puntos más altos de su carrera; y (sin duda) de esta emisión del Foro.
Semana 2 Por: Javier Quintanar Polanco
La semana dos comprendió del martes 10 de al domingo 15 de septiembre. En esta semana se programaron dos documentales y una opera prima.
10 Y 11 de septiembre
EL CASO PINOCHET
Director: Patricio Guzmán
País de origen : Bélgica/Chile/Francia/España
Año: 2001El Caso Pinochet constituye el onceavo filme del director chileno Patricio Guzmán, y es el primer documental exhibido en el foro de este año.
Guzmán ya había participado en emisiones pasada de este evento, con las películas En nombre de Dios (1988) y La Cruz del Sur (1993),ahora, casi después de diez años de ausencia, regresa nuevamente con un este filme realizado en el año 2001.
Con este documental, Guzmán retoma el cine de tipo militante, abordando un tema muy interesante y polémico: Los procesos judiciales y penales llevados a cabo contra El exdictador Augusto Pinochet a finales de los noventa.
Guzmán fue un colaborador del gobierno de Salvador Allende que tuvo que irse al exilio un par de años después del golpe de estado en Chile. Desde entonces, el cineasta no ha dejado de poner el dedo en la llaga, y ha continuado elaborando filmes tocando una y otra vez este tema, desde distintos ángulos.
Ahora, el cineasta sigue de cerca el proceso emprendido contra Pinochet en España. Dicho seguimiento abarca desde la gestación del proceso penal llevada a cabo por Carlos Castresana en 1996, pasando por la aprobación del mismo, a reunión de testimonios de las víctimas para establecer el caso; el posterior arresto en Inglaterra del acusado en 1998, el proceso que condujo a su liberación y regreso a Chile, y las ramificaciones que dicho caso tuvo en ese país que conducirían al expresidente a un nuevo proceso y a su posterior arraigo domiciliario por los cargos de crímenes contra la humanidad, tortura y terrorismo
El tono austero y sobrio de esta realización le confiere un aire de tristeza, amargura y desesperanza. Hecho con un total despojo y hasta cierta frialdad, este filme sin embargo; resulta muy efectivo en su objetivo de obtener diferentes sensaciones del espectador, que van de lo conmovedor a lo verdaderamente indignante o entristecedor. Sensaciones tan variadas como los rostros de las víctimas que nos son mostrados constantemente a lo largo de la cinta. Tristeza, dolor, amargura, van de la mano con cierto sarcasmo, esperanza, o inclusive la alegría de ser escuchado por fin, de una especie de renacer de la esperanza, por parte de aquellos que fueron víctimas directas o indirectas de los excesos del régimen chileno.
Los testimonios de dichas víctimas están intercalados con las imágenes de archivo que cubren paso a paso el proceso penal contra el exmandatario.
La película tiene muchos momentos de gran inspiración. Mencionare únicamente dos momentos muy logrados: Uno de ellos es cuando el periodista español Ernesto Ekaizer explica paso a paso el proceso legal contra Pinochet, usando como analogía un tablero y piezas de ajedrez. Otro momento memorable, es cuando se muestra un video tomado durante la detención del exdictador en Inglaterra, cuando recibe la visita de Margaret Tatcher, quien le brinda su apoyo moral, y le agradece por su ayuda durante el conflicto de las Islas Malvinas contra Argentina, además de afirmar que la democracia llegó a Chile de la mano de Pinochet (...)
Un documental comprometido, que refleja el dolor de sus protagonistas, y que nos habla de un perfecto equilibrio entre la sensibilidad del director y su firme postura política. Definitivamente, un filme que movió muchos sentimientos entre los espectadores, y que dejará muchas reflexiones por un buen tiempo.
12 Y 13 de septiembre
PAULINE Y PAULETTE
(PAULINE ET PAULETTE)
Director: Lieven Debrauwer
País de origen : Bélgica/Francia/Noruega
Año: 2001Este es el primer debut de este foro, y corre a cargo del director belga Lieven Drebrauwer. La carrera anterior del cineasta comprendía varios cortometrajes, y ahora nos presenta su opera prima.
Esta historia nos relata la relación entre varias hermanas, pero prestando especial atención a dos de ellas (que son las que dan título a la cinta): Pauline (interpretada por Dora van der Groen), una mujer de 66 años con problemas mentales que la hacen comportarse como una niña pequeña; y Paulette (la actríz televisiva Ann Petersen), su hermana que atiende un negocio propio y además canta en una Opereta. Pauline siempre ha admirado y sentido una gran afinidad por Paulette, quien por el contrario, se siente incómoda y trata de rehuír a su hermana.
El asunto comienza cuando Martha (Julienne De Bruyn), la hermana que se hace cargo de Pauline, fallece. Paulette y Cécile (su otra hermana, encarnada por Rosemarie Bergmans) intentan decidir cual es el mejor lugar para Pauline. Pero su decisión se complica cuando se enteran de que Martha les ha legado una herencia con una condición: que alguna de ellas se haga cargo de Pauline, y que si esta última es internada en una institución, ella será la única beneficiaria.
Así que Paulette y Cécile intentan llegar a un arreglo, ya que mientras la primera tiene su negocio y su compromiso operístico; Cécile tiene a su pareja de nombre Albert (el actor Idwig Stephane). Así que la responsabilidad recae sobre Paulette. En un principio, Paulette se muestra renuente y algo hosca con su hermana, pero poco a poco irá descubriendo que tiene con ella más cosas en común de las que imaginaba.
Contrario a lo que pudiera pensarse, esta es una película que puede tocar un tema convencional, pero lo hace de una manera sutil. Para empezar, evita los clichés que el tema puede proporcionar (por ejemplo, las hermanas se preocupan por Pauline de manera genuina, y la herencia siempre es manejada en segundo término, sobre todo por Paulette), y evita caer en la comedia fácil de “discapacitados mentales”. Paulette no es tratada por el director como un gracioso tarado, sino más bien como una persona dulce y emotiva cuya ingenuidad es encantadora y grácil mas que graciosa. Por otro lado, Paulette no es tampoco encasillada como la persona mala que se vuelve buena mientras transcurre la trama, sino más bien como una persona solitaria que necesita afecto y compañía, y que encuentra en Paulette algunas cualidades que alivian esas necesidades.
El tema es tocado con mucha sensibilidad y mesura. Esto hace de Pauline y Paulette un filme modesto y emotivo, sin llegar a ser chantajista ni disparatado. Lo que en manos de otro director pudo volverse una comedia disparatada y rutinaria o un drama tremedista, bajo la batuta de Drebrauwer se convierte en un melodrama suave, intimista y sin grandes pretensiones.
14 Y 15 de septiembre
PROMESAS
(PROMISES)
Director: Justine Shapiro, Carlos Bolado, Ilan Buchbinder y B.Z. Goldberg
País de origen : Estados Unidos
Año: 2001El segundo documental presentado en el foro era algo muy esperado. Se trata de Promesas, una realización en conjunto que inclusive compitió en la entrega de los Oscares pasada en el rubro de Mejor Documental.
Esta es una coproducción internacional que trata sobre el conflicto entre Palestinos e Israelíes, pero abordando el temas desde la perspectiva de unos protagonistas desapercibidos: los niños.
Con un trabajo de filmación que comprende los años 1995 a 2000, los directores recopilaron varios testimonios de niños que han crecido cerca o en la zona de conflicto y cada uno de ellos aporta su propia perspectiva de lo que pasa. Niños judíos, israelitas radicales, palestinos y musulmanes, son entrevistados y cuestionados sobre lo que pasa, lo que siente y lo que creen de una guerra que parece no tener fin.
Cada uno de los testimonios refleja una posición diferente sobre el conflicto, pero en casi todas, uno puede sentir como los problemas de antaño ya han sido transmitidos a la generación del futuro: el odio irracional, el fanatismo, el miedo, la tristeza y la incertidumbre, destilan de entre las afirmaciones que cada infante hace a sus entrevistadores. Pero también se puede percibir como dichos niños han logrado vivir y adaptarse a este modo de vida, lo que los ha vuelto agudos observadores, y del cual han logrado emitir juicios a veces certeros, a veces críticos, sin estar exentos de algo de humor o desencanto.
Durante el filme, podemos atestiguar una gran variedad de situaciones que ayudan a crear un mosaico amplio de la situación en esa región del mundo. Los realizadores nos llevan a presenciar desde actos comunes como juegos de baloncesto y ceremonias escolares (para demostrar como lo cotidiano logra abrirse paso), hasta visitas a las prisiones de reos políticos y testimonios de algunos ataque terroristas bastante dramáticos.
Conforme avanza el documental, el papel de los realizadores también se va transformando de ser simples cronistas a un rol más activo, al grado de que en un punto de la cinta, deciden preguntar a algunos de los niños palestinos si están dispuestos a conocer a niños israelíes. Prácticamente la última parte del documental trata sobre los esfuerzo de B.Z. y su equipo para lograr reunir a los chicos, el cual da frutos y la reunió logra concretarse. Años más tarde, los directores logran volver a contactar a estos niños, y hacen evidente que el contacto entre ellos se ha minimizado y que de la experiencia quedan algunos vestigios.
Un excelente documental que brinda al espectador una visión bastante ampliada y hasta cierto punto diferente sobre lo que ocurre actualmente en Medio Oriente, y cuya historia y realización le valieron ganar dos premios Emmy (Como Mejor Documental y Mejor Reportaje de Fondo).
Semana 3 Por: Javier Quintanar Polanco
Esta semana fue dominada en realidad por los documentales, y también pudimos apreciar la película mexicana de esta edición que además marca el debut de un joven cineasta.
17 Y 18 de septiembre
SOBIBOR
(SOBIBOR, 14 OCTUBRE 1943, 16 HEURES)
Director: Claude Lanzmann
País de origen : Francia
Año: 2001En la semana anterior tuvimos a un cineasta chileno comprometido con los hechos ocurridos en su país años atrás. Ahora, tenemos a otro director que también tiene cuentas con el pasado, pero por un hecho distinto: El exterminio sistemático de judíos por parte de los nazis durante la Segunda Guerra Mundial.
Claude Lanzmann es un documentalista cuya escasa y espaciada filmografía tiene como temática central las tribulaciones sufridas por el pueblo judío en Europa por parte de los alemanes. Su obra más recordada al respecto, es su largometraje Shoah, de 1985, que en sus poco más de 566 minutos de duración nos cuenta como era el método de aprisionamiento y ejecución de miles de seres humanos, en uno de los momentos más sombríos de la historia humana.
Ahora, en este nuevo documento, Lanzmann da fe de un hecho histórico conocido pero muy poco conocido: la revuelta llevada a cabo por prisioneros del campo de concentración Sobibor, el 14 de octubre de 1943, la cual resultó exitosa y permitió a muchos de ellos escapar. Después de esta rebelión, este campo sería cerrado.
Esta es una historia significativa, de la cual el director tuvo noticia mientras filmaba material para Shoah. Lanzmann escuchó el relato de boca del que al parecer es el último sobreviviente de ese campo y único testigo viviente de los hechos, y decidió que esta era una historia tan relevante que no debía ocupar una pequeña parte en su documental épico, sino que merecía un trato aparte, un relato único sobre este acontecimiento.
Así, durante 95 minutos, Yehuda Lerner nos relata su historia de supervivencia y escape en Sorbibor, ayudados curiosamente por la puntualidad de los alemanes, lo que les permitió fraguar un plan que resulto muy efectivo.
La estética utilizada para relatarnos la historia es muy similar a la empleada en su filme anterior: primeros planos fijos de su protagonista, alternados con escenas del lugar de los hechos como se actualmente. Secuencias prolongadas y una edición fija, seca y sin ningún tipo de elemento de apoyo. Nada de música ni efectos de sonidos, solamente el audio del entrevistado y su traductor.
El punto flojo de este documental es que, a pesar de que la historia es excepcional y no esta exenta de algunas anécdotas coloridas, el relato se vuelve denso sobre todo al final de la segunda parte, donde la cámara permanece fija en el rostro de Lerner mientras el narra su historia. El interés en este punto decae un poco y debilita significativamente lo logrado durante la primera parte.
Con todo, este filme es un testimonio importante sobre un aspecto desconocido del genocidio nazi.
19 Y 20 de septiembre
SUPER 8
(SUPER 8 STORIES)
Director: Emir Kusturica
País de origen : Alemania - Italia
Año: 2001Otro documental pero de un tono radicalmente distinto, es el presentado por el director Emir Kusturica, sobre la que es su banda musical: No Smoking.
El nombre de esta cinta se desprende del hecho de que está filmada casi en su totalidad en formato de cine Super 8, y de una manera que a ratos parece (o al menos simula muy bien) de manufactura casera.
No Smoking fue formada durante los ochenta en Yugoslavia. Y durante su carrera se ha generado de una reputación de irreverentes y críticos asiduos de la política y el modo de vida en esa región de los Balcanes. Con un género musical que igual mezcla el Punk, la música gitana, el Jazz y el Techno, esta banda se ha hecho muy popular en su terruño.
Kusturica forma parte de esta agrupación, y es el que funge como guía durante este tour al mundo absurdo y divertido de esta banda. Ya sea en una sesión de fotos, en el camión de giras, en concierto o durante la filmación de un videoclip, podemos conocer aspectos íntimos de la banda. Sus anécdotas, sus temores sobre la situación política actual, sus momentos íntimos y hasta sus pleitos son registrados por la cámara de Kusturica constantemente, manteniendo un ritmo moderado y sin hacer decaer el interés por estos chicos.
De hecho, la cinta es como mucho de los filmes del director: Ingenioso, por ratos irreverente, pero a la vez crítico, con espacios para la reflexión y la nostalgia, y con situaciones absurdas y humorosas.
Un muy buen documental.
21 Y 22 de septiembre
SERES HUMANOS
Director: Jorge Aguilera
País de origen : México
Año: 2001Hacía mucho tiempo que una película mexicana no me dejaba tan grata impresión. Seres humanos constituye la opera prima de Jorge Aguilera, un director joven egresado del CCC (Centro de Capacitación Cinematográfica), uno de los semilleros principales de nuevos realizadores fílmicos.
La anécdota detrás de la historia es muy simple. Una familia pierde a su hija menor de una manera trágica, y dicha pérdida afecta a cada uno de los integrantes de este núcleo de maneras distintas. Por un lado, tenemos al padre, Derek (El experimentado actor Rafael Sánchez Navarro), quien después del hecho se trastorna mentalmente. Por otro lado, está la madre de nombre Dulce (Clarissa Malheiros), quien intenta minimizar su propio dolor resaltando el dolor de los demás por medio de un programa de TV. Y finalmente, esta Damián (el joven Osvaldo Benavides), el hijo de la familia, quien se refugia en el olvido para evitar enfrentar la muerte de su hermana.
Así, mientras el padre recrea un espacio ficticio donde su hija no ha muerto, la madre se envuelve en un bizarro Talk-Show muy a la norteamericana donde lo grotesco y ridículo parecen ser la norma, en tanto que Damián se relaciona con una silenciosa y bella bailarina, a la vez que sus recuerdos pugnan por salir. Esta situación se perpetua y consigue un punto climático once años después del fallecimiento de la niña, que es cuando por fin, todos los miembros de la familia tienen que afrontar, de una forma u otra, su pérdida y el dolor al cual se han negado por tanto tiempo.
Conforme transcurre el filme, uno se va dando cuenta de una cosa: estamos frente al trabajo de un director que no niega sus influencias obvias, sino que en su lugar las utiliza a su favor para potenciar su relato. Así, más de uno tendrá en su cabeza los nombre directores como Krzysztof Kieslowski, Atom Egoyan e inclusive David Lynch tanto en las cuestiones formales como en elementos narrativos de esta película. Y a pesar de esto, la película no se vuelve un espectáculo pretencioso, sino todo lo contrario: la historia resulta efectiva, mantiene su interés y tiene una muy buena resolución. Tal vez aún le falte al director definir un estilo propio, pero su camino ha iniciado con el pie derecho.
Al final de la proyección del sábado estuvieron presentes el director y el actor Rafael Sánchez Navarro, quienes contestaron varias preguntas y hablaron entre otras cosas, del proceso de producción de esta cinta, de los problemas de distribución que actualmente enfrentan, y algunas cosas mas, en una charla con los espectadores que resulto amena y con momentos de mucho humor.
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